Toshio Hosokawa: “Müziğim Puccini'nin 'Madama Butterfly' adlı eserinin yüzeysel Japon egzotizmiyle mücadele ediyor”

Toshio Hosokawa, tarihindeki en korkunç olaydan tam on yıl, iki ay ve on yedi gün sonra Hiroşima'da doğdu. Ancak, Japon kıyı kentinin Amerikan bombardıman uçağı Enola Gay'den atılan atom bombasıyla yerle bir olması, iki amcasını radyasyonun öldürmesine rağmen, çocukluğunda bir iz bırakmadı. Japon besteci, trajedinin anısıyla karşı karşıya kalan sessizliğin damga vurduğu bir ortamda büyüdü. 1976'dan itibaren Almanya'da eğitim aldı ve burada kültürünü uzaktan seyretme ve Batı müziğinin avangart tekniklerini öğrenme fırsatı buldu. Japonya'ya döndükten sonra, 1989'da ilk büyük eseri olan Hiroşima Requiem'i yazdı. Bu yoğun oratoryoyu, artık sesi olmayanlara ses vermek için 2000 yılında gözden geçirip genişletti ve Hiroşima'da Sessiz Ses adlı yeni başlığını aldı.

Japon besteci, BBVA Vakfı tarafından verilen Bilbao'daki Müzik ve Opera dalında on yedinci Frontiers of Knowledge Ödülü'nü aldı. Jüriye göre, "zamanımızın en özgün ve beğenilen yaratıcılarından biri" ve "müziğinde olağanüstü bir kapsam, Japon geleneği ile çağdaş Batı estetiği arasında bir köprü". Bu, geçen Çarşamba, 18 Haziran'da, Fabián Panisello yönetimindeki Bask Ülkesi Senfoni Orkestrası tarafından kazananlar için verilen anma konserinde açıkça görüldü. Program, yaklaşık iki yüz besteden oluşan kapsamlı kataloğundan 2020 Keman Konçertosu "Genesis"i, solist olarak vatandaşı Akiko Suwanai'nin katılımıyla Batı modernist geleneği ve Japon duyarlılığının ideal bir füzyonu olarak vurguladı.

Hosokawa, konser için yapılan kostümlü provadan sonra EL PAÍS'i Euskalduna Sarayı'nda ağırladı. Bir tercümanın yardımıyla Japonca yapılan röportaj, John Adams , Arvo Pärt , Peter Eötvös , Philip Glass , Thomas Adès ve George Benjamin'in yanında ismini görünce içten bir tevazu beyanıyla başladı: "Bu ödül benim gibi biri için çok fazla," diye haykırdı ellerini kavuşturarak. Ağustos ayında Tokyo'daki Yeni Ulusal Tiyatro'da dünya prömiyeri yapılacak olan yeni operası Natasha'nın ayrıntılarını açıklayarak sonlandırdı. Ancak, besteci röportajda Japon geleneği ile çağdaş Avrupa estetiği arasında bu köprüyü nasıl kurduğunu ayrıntılı olarak açıklıyor ve böylece Japon müziğinin Batı'da her zaman ele alındığı yüzeysel egzotizmle mücadele ediyor.

Soru: İkinci Dünya Savaşı sonrası modernleşme ve Batılılaşmanın yaşandığı, geleneksel Japon müziğinin ötekileştirildiği bir ortamda, Japonya'da büyüdünüz.

Cevap: Evet, çocukken geleneksel Japon müziğinin sıkıcı ve tatsız olduğunu düşünürdüm. Avrupa kültürüne ve Beethoven, Mozart, Schubert, Stravinsky, Bartók ve Debussy'nin müziğine karşı derin bir hayranlığım vardı.

S. Besteci olarak eğitim almak için Avrupa'ya bu yüzden mi gittiniz?

A. Doğru. 1970'lerin sonlarında Almanya'ya gittim. Sonra Afrika ve Endonezya gibi diğer kültürlerin etkisinden yararlanmaya başlayan bir Avrupalı ​​besteci dalgasıyla karşılaştım. Bu, kendi Japon köklerimi uzaktan yeniden ziyaret etmemi sağladı.

P. Gidiş-dönüş bir yolculuktu.

A. Evet. Avrupa'daki eğitimim sayesinde Japon köklerimin müziğini farklı kulaklarla tekrar duyabildim.

S. Fakat Batı müziğinde diğer kültürlerin kullanımı her zaman egzotik bir unsur olmuştur.

A. Müziğim Batı'nın yüzeysel Japon egzotizmiyle tam olarak mücadele ediyor. Örneğin, Puccini'nin Madama Butterfly'ında Japonya'ya dair derin bir anlayış yok. Bestelerim Japon müzik geleneklerinin derinliğini gösteriyor.

S. “Ses-sessizlik” veya “ışık-karanlık” gibi ikiliklerin kullanımından mı bahsediyorsunuz?

A: Evet, köklerimin bir parçası olarak çalışmalarımda ikilikler kullanıyorum. Doğu'da buna yin ve yang diyoruz. Batı'da bu ikilikler zıt veya dışlayıcı olarak yorumlanabilir. Doğu'da farklı bir algımız var ve zıtlıklar tek, tamamlayıcı bir varlık oluşturmak için bir araya geliyor. Müziğimde temsil etmek istediğim fikir bu.

S. Bestelerinizi dinlerken sizi şaşırtan bir diğer unsur da zamanın dikey algılanması.

A. Elbette, çünkü Batı'da zaman kavramı yataydır. Bunu Bach veya Bruckner'in müziğinde, öteyi görmemizi sağlayan doğrusal, mimari ses yapılarında görebilirsiniz. Ancak Doğu'da, sesin öteyi göremediğimiz sonsuz bir döngünün parçası olduğu dikey bir kavramımız var.

S. Müzikal olmasa bile bir örnek verebilir misiniz?

A. Elbette. Biz Japonlar kiraz çiçeklerini severiz, ancak en güzel an Batılılar için olduğu gibi çiçeklenmenin zirvesinde değil, çiçekler solmaya başladığında ve yapraklar ağaç dallarından düştüğündedir. Doğu estetiğinde, öbür dünyayla değil, belirli anın güzelliğine dalmakla ilgileniriz.

S. Bu fikirler, Bilbao'da sahnelenen ve keman sanatçısı Veronika Eberle'ye ve oğlu Maxim'in doğumuna adanan "Genesis" (2020) adlı Keman Konçertonuzda nasıl yansıtılıyor?

A. Eser, doğum, yaşam ve birey ile evren arasındaki ilişki üzerine müzikal bir meditasyondur. Solist ve orkestra arasındaki ikilik zıtlıklar olarak sunulmaz; bunun yerine, solo keman insanı veya yeni yaşamı temsil ederken, orkestra o yaşamı çevreleyen doğayı ve kozmosu temsil eder. Eser, anne rahmindeki mutluluk, doğumun zor anı veya kuşların şarkı söylediği son an gibi çeşitli anları temsil eder, bir mutluluk anı.

S. Notalarla ilgili çalışmanızı dinlemek benim için çok ilginçti, çünkü keman ilk başta orkestrayı etkili bir şekilde taklit ediyor, tıpkı çocukların çevrelerini taklit etmesi gibi; sonra bireyselliğini oluşturduğu solo anlar oluyor ve sonunda orkestrayla mutlu bir tamamlayıcılık buluyor. Besteciliğin geleceğini nasıl görüyorsunuz?

A: Benim için beste yapmak temel olarak içimizdeki derin sesi aramak ve bulmakla ilgilidir. Artık anlık bir dünyada yaşıyoruz, yapay zekayı kullanarak anında cevaplar alıyoruz. Ancak kompozisyon tam tersidir. Bu, o iç sesi arama sürecidir. Ve o iç sesi arayan ve dinlemek isteyen insanlar olduğu sürece, kompozisyonun bir geleceği olmaya devam edecektir.

S. Çok sayıda oda ve orkestra eseri bestelemenin yanı sıra, Noh tiyatrosunun unsurlarını uyarlayan birkaç opera da yazdınız. Son Valensiya ikametiniz sırasında, 2017 operanız Futari Shizuka'nın yarı sahnelenmiş bir versiyonunu görme fırsatı bulduk. Bir sonraki prömiyerinizin Ağustos ayında Natasha adlı başka bir opera olacağını düşünüyorum. Fikirlerinizi opera gibi Batılı bir türe nasıl yansıtıyorsunuz?

A. Yeni operam Natasha, insanların ruhunu oluşturan hem sözlerden hem de müzikten oluşan ses denizini yakalamayı amaçlıyor. Psikolojide kolektif bilinçdışı, Budist dünyasında ise alaya diyebileceğimiz şey bu. Opera, göç etmeye zorlanan ve modern dünyanın yarattığı cehennemlerde bir hac yolculuğuna zorlanan iki kahraman Natasha ve Arato'nun hikayesini anlatıyor: kirlilik, savaş, seller, yangınlar ve ahlaksızlık. Ve her cehennemin kendine özgü bir sesi ve müziği var. Plastiklerin çarptığı bir ses kullandığım bir plastik denizi var ve ahlaksızlık dünyasında rock ritimleri ekledim. Tamamlayıcı ikilikler yeniden ortaya çıkıyor ve konu çeşitli anlarda derinlemesine inceleniyor, ancak diğer operaların aksine burada geleneksel Japon enstrümanları kullanmıyorum.